MOVIE REVIEW: “Who's Afraid of Virginia Woolf?” (1966)

Synopsis: When a university professor and his wife are unexpectedly “forced” to welcome a couple of new neighbors into their home in the middle of the night, George and Martha begin a real verbal and psychological clash between them. As the long night progresses, some secrets between the four will be brutally revealed.

Verbal and non-verbal relationships have always been the essence of human communication. Whether between society or between more restricted groups, it is necessary to know how to find a way to express feelings in their most distinct and complex layers. When relationships are more intimate (like marriage, for example), creating a communicative “link” between people who are together becomes more than a “social convention”, and reaches the level of being an “obligation”, because after all, you need to know where everyone involved is standing. In this movie, an extremely verbal approach takes over the script, turning this plot into a visible case study of people.

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In particular, when what is in focus is a longer marriage, words begin to take on new meanings and the combination of letters can be very dangerous depending on the type of situation that is happening. In the script adapted by Ernest Lehman (based on the book written by Edward Albee), the viewer follows a fateful night when the hosts, George and Martha, welcome the recently arrived couple Nick and Honey into their home. From the beginning, there is a very evident type of narrative sedimentation that the movie will follow, and it is not focused on visual contemplative scenarios or expansions, but rather on the increasingly intense development between its own characters.

Alternating between strangely comical moments and other brutally acidic moments, the lines spoken by human beings sharing the same “claustrophobic” scenario (which, in fact, dominates most of the movie to the point of being considered as an “extra character” within the plot) are very calculated, creating a purely psychological plot between all its lines. Each subject is efficiently broken down on screen (the attack of words is visceral, but it is also cartoonish), but to a certain extent, because there are some very verbose narrative exaggerations and this makes the story become something too long, without there being a real need for all this.

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It all starts with intimate personal verbal attacks, but as the duo becomes a quartet, the offenses gain much deeper levels and in some specific moments, physical attacks appear on the screen as some small “explosions” that help to dynamize the situation. plot, making it a slightly more agile material. Literally, the script can be considered as a “purge session” between all the characters, where any and all of the feelings simply mentioned (or inadvertently revealed), help pave the way where everything needs to be illuminated more clearly. Between lies and truths, psychological games are skillfully created.

It wouldn't be an exaggeration for me to say that in the story there is a sinuous intention of the script to create situations where the passions between the characters oscillate between fragile and strong moments, showing that in some way, they all care about each other. In the midst of this whirlwind of exposed feelings (which includes many disappointments), the development of the plot takes on even more significant contours, making the characters people close to the public. In a way, the slow pace of the project favors the connection that is created between the real and the fictional world. In other words, it is possible to feel (depending on your immersion in the story) everything that is being expressed on the screen.

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The weight of a relationship (in this case, in particular, something that has existed for many years) brings with it dilemmas that in essence can be something very private. The trigger for each conversation to become an argument, and then evolve into something more intense depends on many contexts, and in the case of this film, there is a hierarchical relationship between Martha and George that brings them together, but at the same time pushes them apart. While she is the daughter of the head of the university where he works, he is just one of the professors. There is an initial relationship of interests, heavier dramas that involve their relationship as a “couple” (which oscillates between love, hate, regret, trust and many other feelings).

Richard Burton and Elizabeth Taylor have great synergy on screen, and deliver excellent performances. Their attacks are (almost) always destructive and toxic, but at the same time, they are very true and meet the needs and desires of their respective characters in a very convincing way. On the other hand, George Segal and Sandy Dennis bring a kind of “counterpoint” that is very interesting to create new paths to explore the text of the script. Under the competent direction of Mike Nichols (who, incidentally, began his directing career with this movie), this cast delivered all the best that could be extracted from them. Nichols was really assertive in his early work.

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Technically, Who's Afraid of Virginia Woolf? it also has its merits. Among them, a simple soundtrack that is very tasteful for the weight that the plot carries, an editing of scenes that creates very interesting transitional elements and beautiful photography. However, if it had been a movie with a slightly shorter running time, it would be very likely that the project would have become something much better than it already managed to be in its original cut. Human beings are complex animals, and the intention of the plot is to show this through the greatest possible play on words and despite not always being able to do this in such an energetic way, there is enough tension to solidify this idea.

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CRÍTICA DE PELÍCULA: “¿Quién teme a Virginia Woolf?” (1966)

Sinopsis: Cuando un profesor universitario y su esposa se ven inesperadamente “obligados” a recibir en su casa a una pareja de nuevos vecinos en mitad de la noche, George y Martha comienzan un auténtico choque verbal y psicológico entre ellos. A medida que avanza la larga noche, algunos secretos entre los cuatro se revelarán brutalmente.

Las relaciones verbales y no verbales siempre han sido la esencia de la comunicación humana. Ya sea entre sociedades o entre grupos más restringidos, es necesario saber encontrar la manera de expresar los sentimientos en sus capas más distintas y complejas. Cuando las relaciones son más íntimas (como el matrimonio, por ejemplo), crear un “vínculo” comunicativo entre personas que están juntas se convierte en algo más que una “convención social”, y llega al nivel de ser una “obligación”, porque al fin y al cabo, es necesario para saber dónde están todos los involucrados. En esta película, un enfoque extremadamente verbal se apodera del guión, convirtiendo esta trama en un visible caso de estudio de personas.

En particular, cuando lo que se busca es un matrimonio más largo, las palabras comienzan a adquirir nuevos significados y la combinación de letras puede ser muy peligrosa dependiendo del tipo de situación que esté sucediendo. En el guión adaptado por Ernest Lehman (basado en el libro escrito por Edward Albee), el espectador sigue una fatídica noche en la que los anfitriones, George y Martha, dan la bienvenida a su casa a la pareja recién llegada, Nick y Honey. Desde el principio se ve muy evidente un tipo de sedimentación narrativa que seguirá la película, y no se centra en escenarios visuales contemplativos o expansiones, sino en el desarrollo cada vez más intenso entre sus propios personajes.

Alternando momentos extrañamente cómicos y otros brutalmente ácidos, las líneas dichas por seres humanos comparten el mismo escenario “claustrofóbico” (que, de hecho, domina la mayor parte de la película hasta el punto de ser considerado como un “personaje extra” dentro de la trama) son muy calculados, creando una trama puramente psicológica entre todas sus líneas. Cada tema está eficientemente desglosado en pantalla (el ataque de las palabras es visceral, pero también caricaturesco), pero en cierta medida, porque hay algunas exageraciones narrativas muy prolijas y eso hace que la historia se vuelva algo demasiado larga, sin que haya una necesidad real de todo esto.

Todo comienza con ataques verbales personales íntimos, pero a medida que el dúo se convierte en cuarteto, las ofensas ganan niveles mucho más profundos y en algunos momentos puntuales, los ataques físicos aparecen en pantalla como unas pequeñas “explosiones” que ayudan a dinamizar la trama. convirtiéndolo en un material un poco más ágil. Literalmente, el guión puede considerarse como una “sesión de purga” entre todos los personajes, donde todos y cada uno de los sentimientos simplemente mencionados (o revelados inadvertidamente) ayudan a allanar el camino donde todo debe iluminarse con mayor claridad. Entre mentiras y verdades, se crean hábilmente juegos psicológicos.

No sería exagerado por mi parte decir que en la historia hay una sinuosa intención del guión de crear situaciones donde las pasiones entre los personajes oscilan entre momentos frágiles y fuertes, mostrando que de alguna manera todos se preocupan unos por otros. otro. En medio de este torbellino de sentimientos expuestos (que incluyen muchas decepciones), el desarrollo de la trama adquiere contornos aún más significativos, convirtiendo a los personajes en personas cercanas al público. En cierto modo, el ritmo lento del proyecto favorece la conexión que se crea entre el mundo real y el ficticio. En otras palabras, es posible sentir (dependiendo de tu inmersión en la historia) todo lo que se está expresando en la pantalla.

El peso de una relación (en este caso, en particular, algo que existe desde hace muchos años) trae consigo dilemas que en esencia pueden ser algo muy privado. El detonante para que cada conversación se convierta en una discusión y luego evolucione hacia algo más intenso depende de muchos contextos, y en el caso de esta película, hay una relación jerárquica entre Martha y George que los une, pero al mismo tiempo los empuja. ellos separados.. Si bien ella es hija del director de la universidad donde él trabaja, él es solo uno más de los profesores. Hay una relación inicial de intereses, dramas más pesados que involucran su relación de “pareja” (que oscila entre el amor, el odio, el arrepentimiento, la confianza y muchos otros sentimientos).

Richard Burton y Elizabeth Taylor tienen una gran sinergia en la pantalla y ofrecen excelentes actuaciones. Sus ataques son (casi) siempre destructivos y tóxicos, pero al mismo tiempo son muy ciertos y satisfacen las necesidades y deseos de sus respectivos personajes de una manera muy convincente. Por otro lado, George Segal y Sandy Dennis aportan una especie de “contrapunto” muy interesante para crear nuevos caminos para explorar el texto del guión. Bajo la competente dirección de Mike Nichols (quien, por cierto, comenzó su carrera como director con esta película), este elenco entregó todo lo mejor que se pudo extraer de ellos. Nichols fue realmente asertivo en sus primeros trabajos.

Técnicamente, ¿Quién teme a Virginia Woolf? También tiene sus méritos. Entre ellos, una banda sonora sencilla y de muy buen gusto para el peso que lleva la trama, un montaje de escenas que crea elementos de transición muy interesantes y una fotografía preciosa. Sin embargo, si hubiera sido una película con una duración un poco más corta, sería muy probable que el proyecto se hubiera convertido en algo mucho mejor de lo que ya logró ser en su montaje original. Los seres humanos somos animales complejos, y la intención de la trama es mostrarlo a través del mayor juego de palabras posible y a pesar de no siempre poder hacerlo de una manera tan enérgica, hay suficiente tensión para solidificar esta idea.

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CRÍTICA DE FILME: “Quem Tem Medo de Virginia Woolf?” (1966)

Sinopse: Quando um professor universitário e sua esposa são inesperadamente “forçados” a receber um casal de novos vizinhos em sua casa no meio da madrugada, George e Martha começam um verdadeiro embate verbal e psicológico entre eles. À medida em que à longa noite avança, alguns segredos entre os quatro serão brutalmente revelados.

Desde sempre, os relacionamentos verbais e não verbais são à essência da comunicação humana. Seja entre sociedade ou entre grupos mais restritos, é preciso saber encontrar uma maneira de expressar sentimentos em suas mais distintas e complexas camadas. Quando os relacionamentos são mais íntimos (como o casamento, por exemplo), criar um “elo” comunicativo entre as pessoas que estão juntas se torna mais do que uma “convenção social”, e chega ao nível de ser uma “obrigação”, porque afinal de contas, é preciso saber onde cada um dos envolvidos está pisando. Neste filme, uma abordagem extremamente verbal toma conta do roteiro, tornando esta trama em um visível estudo de caso de pessoas.

Em especial, quando o que está em foco é um casamento mais longo, as palavras começam a ganhar novos significados e a junção das letras pode ser algo muito perigoso dependendo do tipo de situação que está acontecendo. No roteiro adaptado por Ernest Lehman (com base no livro escrito por Edward Albee), o telespectador acompanha uma fatídica noite em que os anfitriões, George e Martha, recebem o casal recém-chegado Nick e Honey em sua casa. Desde o seu início, há um tipo de sedimentação narrativa muito evidente que o filme seguirá, e ele não é focado em cenários ou expansões contemplativas de cunho visual, mas sim, no desenvolvimento cada vez mais intenso entre seus próprios personagens.

Alternando entre momentos estranhamente cômicos e outros momentos brutalmente ácidos, as falas proferidas pelos seres humanos compartilhando o mesmo cenário “claustrofóbico” (que aliás, domina o a maior parte filme a ponto de ser considerado como um “personagem extra” dentro da trama) são bem calculadas, criando um enredo puramente psicológico entre todas as suas entrelinhas. Cada assunto é eficientemente destrinchado na tela (o ataque de palavras é visceral, mas também é cartunesco), mas até certo ponto, porque há alguns exageros narrativos muito verborrágicos e isso faz com que a estória se torne em algo demasiadamente longo, sem haver uma necessidade real para tudo isso.

Tudo começa com ataques pessoais verbais íntimos, mas à medida em que a dupla de torna um quarteto, as ofensas ganham níveis bem mais profundos e em alguns momentos pontuais, os ataques físicos surgem na tela como algumas pequenas “explosões” que ajudam a dinamizar à trama, tornando-a em um material um pouco mais ágil. Literalmente, o roteiro pode ser considerado como uma “sessão de expurgo” entre todos os personagens, onde todo e qualquer um dos sentimentos simplesmente mencionados (ou inadvertidamente revelados), ajudam a pavimentar o caminho onde tudo precisa ser iluminado com mais clareza. Entre mentiras e verdades, os jogos psicológicos são habilmente criados.

Não seria exagero da minha parte dizer que na estória há uma intenção sinuosa do roteiro em criar situações onde as paixões entre os personagens oscilam entre momentos frágeis e fortes, evidenciando que de alguma maneira, todos eles se importam uns com os outros. No meio desse turbilhão de sentimentos expostos (o que inclui muitas desilusões), o desenvolvimento da trama ganha contornos ainda mais significativos, tornando os personagens em pessoas próximas ao público. De certa maneira, o ritmo lento do projeto favorece a conexão que é criada entre o mundo real e o ficcional. Em outras palavras, é possível sentir (a depender do seu mergulho na estória) tudo o que está sendo expresso na tela.

O peso de um relacionamento (neste caso, em especial, algo que já exista há muitos anos) traz consigo dilemas que na sua essência podem ser algo muito particular. O estopim para que cada conversa se torne em uma discussão, e então, evolua para algo mais intenso depende de muitos contextos, e no caso deste filme, há uma relação de hierarquia entre Martha e George que os aproxima, mas que ao mesmo os afasta. Enquanto ela é a filha do chefe da universidade onde ele trabalha, ele é apenas um dos professores. Há uma relação inicial de interesses, dramas mais pesados que envolvem à relação deles enquanto “casal” (que oscila entre amor, ódio, arrependimento, confiança e tantos outros sentimentos).

Richard Burton e Elizabeth Taylor tem uma ótima sinergia na tela, e entregam excelentes performances. Seus ataques são (quase) sempre destrutivos e tóxicos, mas ao mesmo tempo, são muito verdadeiros e atendem as necessidades e anseios dos seus respectivos personagens de uma maneira bastante convincente. Do outro lado, George Segal e Sandy Dennis trazem uma espécie de “contraponto” que é muito interessante para criar novos caminhos para explorar o texto do roteiro. Sob a competente direção de Mike Nichols (que aliás, iniciou à sua carreira de diretor com este filme), esse elenco entregou tudo de melhor que poderia ser extraído deles. Nichols foi realmente assertivo em seu trabalho inicial.

Tecnicamente, Quem Tem Medo de Virginia Woolf? também tem seus méritos. Dentre eles, uma trilha sonora simples que é de muito bom gosto para o peso que à trama carrega, uma edição de cenas que cria elementos transitórios bem interessantes e uma fotografia bonita. No entanto, se tivesse sido um filme com o tempo de duração um pouco menor, seria muito provável que o projeto se tornasse em algo muito melhor do que ele já consegue ser em seu corte original. Seres humanos são animais complexos, e à intenção da trama é mostrar isso através do maior jogo de palavras possível e apesar de não conseguir fazer isso sempre de maneira tão energética, há tensão suficiente para solidificar essa ideia.