MOVIE REVIEW: “C'mon C'mon” (2021)

Synopsis: The life of a radio journalist turns upside down when, unexpectedly, at the request of his sister (who is experiencing a serious marriage crisis), he needs to take care of his young nephew for a while.

Dramatic films are essentially sensitive. Simply put, this is the solid foundation of all of them. However, some stories are more intense than others, and in the case of this script, the center of everything is a strong existential crisis that resides in all the characters. Simple in its conception (and even in its execution), the plot revolves around an extensive “dialogue” (almost as if it were a kind of family therapy, with the appropriate passages in time referring to the events of each individual) that sometimes they even resemble a “case study”, about the personal relationships between human beings and also about their respective barriers in perceiving other realities.

Visually simple, the aesthetic of the movie is the aspect that favors it the most. The touch of black and white helps to create a very intimate atmosphere for the entire plot, which slowly dives into the problems of each character while favoring the convergence promoted by all the problems that are shown on the screen. This lighter aspect is almost like a calculated contrast with the aim of creating antagonistic points between what can be seen and what can be felt with each decision taken throughout the projection. Undoubtedly the greatest success of the narrative, which, incidentally, is improved as the plot gains new millimetrically well-developed contours.

In the midst of a strong marriage crisis, Johnny's sister asks him to be responsible for taking care of Jesse, a young boy with a strong personality, but who hides a real dilemma responsible for justifying his worldview. Johnny then sees himself taking on the role of an uncle that until then had been largely absent, not only in his nephew's life, but also in his relationship with his sister (with whom he did not maintain as much face-to-face or even long-distance contact). This is the starting point of the plot, and when uncle and nephew have to live under the same roof, the differences between them (and their respective ways of thinking or acting) arise in quite accentuated ways.

The uncle's pace of life is hectic because of work and the nephew needs to get into the rhythm of this “adventure” so as not to be alone. While Viv is in another state solving her problems with her husband (who is experiencing a severe psychological crisis involving mainly work issues), Johnny and Jesse begin to establish a type of coexistence that neither of them was exactly prepared for. Even as an adult, the uncle does not have a more direct notion of how to act in front of a child with such a questioning world view and at the same time, there is a nephew who still does not know how to deal with the volatile nature of the uncle (something that is reinforced by the absence of his own father).

This conflict of ideas and attitudes are used by the script as the main thread that ties the whole film together because this is the common thread that brings the motor energy of the plot. The way the script makes use of Johnny's profession to create a parallel with his own world is very assertive. Basically, what Johnny does is interview children to find out what they think about the world and what the future of it will be (in particular, about the world itself and their future in future societies). This has a direct relationship with Jesse, who even though he is still so young, seeks to have a better understanding of who he is, how people act around him, and what he hopes for the future.

In many moments the movie brings a sense of welcome, because everything is shown with great sensitivity. The daily lives of so different lives are placed face to face, as if it were a “generation clash” and this has a very strong power in the impact that the film causes, because even through such subtle moments, the weight of the plot is relatively tense. when problems are seen between the lines. The power of communication (or lack of it) is another very decisive aspect here because whether through the use of verbal communication or not, the film is functional. Often, the message is conveyed through striking phrases... But there is also the simplicity of “cathartic faces”.

Starring Joaquin Phoenix and Woody Norman, the movie also features Gaby Hoffmann. The trio is great, but the one who steals the show is young Norman. Hoffmann has little screen time, but he leaves his mark, Phoenix's performance needs no further comment because it is difficult for him to do something bad (and here he is once again great, even in a more “simple” role) and Norman is a pleasant surprise because it is very difficult to see a child deliver so much truth in a dramatic role. The construction of the three characters is great, always being outlined by conflicts that impetuously connect them within the sameness of routines imposed by their lives.

Mike Mills writes and directs C’mon C’mon, and shows that his keen eye for working existential crises has a certain difference in relation to other directors who usually work with the same theme (or something similar). Whether due to a more sensitive, light approach (but which also manages to be strong in specific moments) or a slower content that favors the construction of events, the fact is that Mills knows what he is doing and this is easily noticeable on screen. Technically well edited, the project delivers exactly what was planned and is able to stir the public's mind in several possible ways, bringing a right mix of complexity with delicacy.

Sinopsis: La vida de un periodista radiofónico da un vuelco cuando, inesperadamente, a pedido de su hermana (que atraviesa una grave crisis matrimonial), necesita cuidar de su joven sobrino por un tiempo.

Las películas dramáticas son esencialmente sensibles. En pocas palabras, esta es la base sólida de todos ellos. Sin embargo, algunas historias son más intensas que otras, y en el caso de este guión, el centro de todo es una fuerte crisis existencial que reside en todos los personajes. Sencilla en su concepción (e incluso en su ejecución), la trama gira en torno a un extenso “diálogo” (casi como si se tratara de una especie de terapia familiar, con los oportunos pasajes en el tiempo referidos a los acontecimientos de cada individuo) que en ocasiones incluso parecerse a un “estudio de caso”, sobre las relaciones personales entre los seres humanos y también sobre sus respectivas barreras para percibir otras realidades.

Visualmente simple, la estética de la película es el aspecto que más la favorece. El toque de blanco y negro ayuda a crear una atmósfera muy íntima para toda la trama, que se sumerge lentamente en los problemas de cada personaje al tiempo que favorece la convergencia que promueven todos los problemas que se muestran en pantalla. Este aspecto más ligero es casi como un contraste calculado con el objetivo de crear puntos antagónicos entre lo que se ve y lo que se siente con cada decisión tomada a lo largo de la proyección. Sin duda el mayor acierto de la narrativa, que, por cierto, va mejorando a medida que la trama gana nuevos contornos milimétricamente bien desarrollados.

En medio de una fuerte crisis matrimonial, la hermana de Johnny le pide que se encargue de cuidar a Jesse, un joven de fuerte personalidad, pero que esconde un verdadero dilema responsable de justificar su cosmovisión. Johnny entonces se ve a sí mismo asumiendo el papel de un tío que hasta ese momento había estado en gran parte ausente, no solo en la vida de su sobrino, sino también en su relación con su hermana (con quien no mantuvo tanto cara a cara ni siquiera). contacto a larga distancia). Este es el punto de partida de la trama, y cuando tío y sobrino tienen que vivir bajo el mismo techo, las diferencias entre ellos (y sus respectivas formas de pensar o actuar) surgen de manera bastante acentuada.

El ritmo de vida del tío es agitado por el trabajo y el sobrino necesita entrar en el ritmo de esta “aventura” para no estar solo. Mientras Viv se encuentra en otro estado resolviendo sus problemas con su esposo (quien atraviesa una severa crisis psicológica que involucra principalmente cuestiones laborales), Johnny y Jesse comienzan a establecer un tipo de convivencia para la que ninguno de los dos estaba precisamente preparado. Aún siendo adulto, el tío no tiene una noción más directa de cómo actuar frente a un niño con una visión del mundo tan cuestionadora y al mismo tiempo, hay un sobrino que aún no sabe cómo lidiar con lo volátil naturaleza del tío (algo que se ve reforzado por la ausencia de su propio padre).

Este conflicto de ideas y actitudes es utilizado por el guión como el hilo principal que une toda la película porque este es el hilo conductor que trae la energía motriz de la trama. La forma en que el guión hace uso de la profesión de Johnny para crear un paralelo con su propio mundo es muy asertiva. Básicamente, lo que hace Johnny es entrevistar a niños para averiguar qué piensan sobre el mundo y cuál será su futuro (en particular, sobre el mundo mismo y su futuro en las sociedades futuras). Este tiene una relación directa con Jesse, quien a pesar de que aún es muy joven, busca tener una mejor comprensión de quién es, cómo actúa la gente a su alrededor y qué espera para el futuro.

En muchos momentos la película trae una sensación de acogida, porque todo se muestra con una gran sensibilidad. La cotidianidad de vidas tan distintas se sitúa frente a frente, como si de un “choque generacional” se tratara, y esto tiene un poder muy fuerte en el impacto que provoca la película, porque aún a través de momentos tan sutiles, el peso de la trama es relativamente tenso cuando los problemas se ven entre líneas. El poder de la comunicación (o la falta de él) es otro aspecto muy decisivo aquí porque sea mediante el uso de la comunicación verbal o no, la película es funcional. A menudo, el mensaje se transmite a través de frases llamativas... Pero también está la sencillez de los “rostros catárticos”.

Protagonizada por Joaquin Phoenix y Woody Norman, la película también presenta a Gaby Hoffmann. El trío es genial, pero el que se roba el show es el joven Norman. Hoffmann tiene poco tiempo en pantalla, pero deja huella, la actuación de Phoenix no necesita más comentarios porque es difícil que haga algo malo (y aquí vuelve a estar genial, incluso en un papel más “simple”) y Norman es un Grata sorpresa porque es muy difícil ver a un niño entregar tanta verdad en un papel dramático. La construcción de los tres personajes es grandiosa, siempre delineada por conflictos que los conectan impetuosamente dentro de la uniformidad de las rutinas impuestas por sus vidas.

Mike Mills escribe y dirige C'mon C'mon. Siempre adelante, y demuestra que su buen ojo para trabajar las crisis existenciales tiene cierta diferencia con respecto a otros directores que suelen trabajar con el mismo tema (o algo similar). Ya sea por un enfoque más sensible y ligero (pero que también consigue ser fuerte en momentos puntuales) o por un contenido más pausado que favorece la construcción de acontecimientos, lo cierto es que Mills sabe lo que hace y eso se nota fácilmente en pantalla. Técnicamente bien editado, el proyecto ofrece exactamente lo que se planeó y es capaz de despertar la mente del público de varias maneras posibles, brindando una combinación adecuada de complejidad y delicadeza.

Sinopse: A vida de um jornalista de rádio vira de ponta à cabeça quando, inesperadamente, a pedido de sua irmã (que está vivendo uma grave crise no casamento), ele precisa cuidar do seu jovem sobrinho por um tempo.

Filmes dramáticos são essencialmente sensíveis. De maneira simples, essa é à base sólida de todos eles. No entanto, algumas estórias são mais intensas do que outras, e no caso deste roteiro, o centro de tudo é uma forte crise existencial que reside em todos os personagens. Simples em sua concepção (e até mesmo em sua execução), a trama gira em torno de um extenso “diálogo” (quase como se fosse uma espécie de terapia em família, com as devidas passagens no tempo referentes aos acontecimentos de cada indivíduo) que às vezes até lembram um “estudo de caso”, sobre as relações pessoais entre os seres humanos e também sobre às suas respectivas barreiras em perceber outras realidades.

Visualmente simples, a estética do filme é o aspecto que mais o favorece. O toque em preto e branco ajuda a criar um ar bastante intimista para toda à trama, que lentamente vai mergulhando dentro dos problemas de cada personagem ao mesmo tempo em que favorece a convergência promovida por todos os problemas que são mostrados na tela. Esse aspecto mais leve é quase como um contraste calculado com o objetivo criar pontos antagônicos entre o que se pode ver e o que se pode sentir com cada tomada de decisão ao longo da projeção. Sem dúvidas o maior acerto da narrativa, que aliás, é aprimorada à medida em que a trama vai ganhando novos contornos milimetricamente bem desenvolvidos.

Em meio a uma forte crise no casamento, a irmã de Johnny pede para que ele fique responsável por cuidar de Jesse, um jovem garoto de personalidade forte, mas que esconde um verdadeiro dilema responsável por justificar à sua visão de mundo. Johnny então se vê assumindo o papel de um tio que até então era bastante ausente não apenas na vida do sobrinho, mas também em sua relação com a irmã (com quem ele não mantinha tanto contato presencial ou até mesmo à distância). Esse é o ponto de partida da trama, e quando tio e sobrinho precisam conviver debaixo do mesmo teto, as divergências entre eles (e seus respectivos modos de pensar ou agir) surgem de maneiras bastante acentuadas.

O ritmo de vida do tio é agitado por causa do trabalho e o sobrinho precisa entrar no ritmo desta “aventura” para não ficar sozinho. Enquanto Viv está em outro estado resolvendo os seus problemas com o marido (que vive uma severa crise psicológica envolvendo principalmente questões de trabalho), Johnny e Jesse começam a estabelecer um tipo de convivência que nenhum dos dois estava exatamente preparado. Mesmo sendo adulto, o tio não tem uma noção mais direta de como agir em frente à uma criança com uma visão de mundo tão questionadora e ao mesmo tempo, há um sobrinho que ainda não sabe lidar com a natureza volátil do tio (algo que é reforçado pela ausência do seu próprio pai).

Esse conflito de ideias e atitudes são utilizados pelo roteiro como a linha principal que amarra todo o filme porque esse é o fio condutor que traz a energia motora da trama. O modo como o roteiro faz uso da profissão de Johnny para criar um paralelo com o seu próprio mundo é muito assertivo. Basicamente, o que Johnny faz é entrevistar crianças para saber o que elas pensam sobre o mundo e qual será o futuro dele (em especial, sobre o próprio mundo e o futuro delas nas sociedades futuras). Isso tem uma relação direta com Jesse, que mesmo apesar de ainda ser tão jovem, busca ter uma melhor compreensão sobre quem ele é, sobre como as pessoas agem ao seu redor, e o que ele espera do futuro.

Em muitos momentos o filme traz uma sensação de acolhimento, porque tudo é mostrado com bastante sensibilidade. Os cotidianos de vidas tão diferentes são colocados frente a frente, como se fosse um “embate de gerações” e isso tem um poder muito forte no impacto que o filme causa, porque mesmo através de momentos tão sutis, o peso da trama é relativamente tenso quando os problemas são enxergados em suas entrelinhas. O poder da comunicação (ou da falta dela) é outro aspecto muito decisivo aqui porque seja através do uso da comunicação verbal ou não, o filme é funcional. Muitas vezes, a mensagem é passada por frases marcantes... Mas também há a singeleza dos “semblantes catárticos”.

Protagonizado por Joaquin Phoenix e Woody Norman, o filme ainda conta com à presença de Gaby Hoffmann. O trio é ótimo, mas quem rouba à cena é mesmo o jovem Norman. Hoffmann tem pouco tempo de tela, mas deixa a marca dela, à performance de Phoenix dispensa maiores comentários porque é difícil ele fazer algo ruim (e aqui ele está mais uma vez ótimo, mesmo que em um papel mais “simples”) e Norman é uma grata surpresa porque é muito difícil ver uma criança entregar tanta verdade em um papel dramático. A construção dos três personagens é ótima, sempre sendo delineada por conflitos que os conectam de maneira impetuoso dentro da mesmice de rotinas impostas por suas vidas.

Mike Mills escreve e dirige Sempre em Frente, e mostra que o seu olhar afiado para trabalhar crises existenciais tem um certo diferencial em relação aos outros diretores que costumam trabalhar com o mesmo tema (ou algo parecido). Seja por uma abordagem mais sensível, leve (mas que também consegue ser forte em momentos pontuais) ou por um teor mais lento que favorece à construção dos acontecimentos, o fato é que Mills sabe o que faz e isso é facilmente perceptível na tela. Tecnicamente bem editado, o projeto entrega justamente o que foi planejado e é capaz de mexer com à mente do público de diversas maneiras possíveis, trazendo uma mistura certa de complexidade com delicadeza.